En 1918 à San Francisco elle ouvre un studio de portrait. C'est la Grande Dépression qui la pousse à déplacer son champ d'action vers la rue.

Ses travaux les plus connus ont été réalisés pendant laGrande Dépression, dans le cadre d'une mission confiée par la Farm Security Administration (FSA) (« Administration d'assurance paysanne »). De celle-ci émergeront un certain nombre de grands maîtres de la photographie, tels que Walker Evans, Russell Lee, Arthur Rothstein et Ben Shahn. C'est à la conjugaison de leurs talents que la FSA doit son caractère aujourd'hui « mythique ».

Ses premières photos personnelles ne datent que de 1957 environ. Elle s'extrait peu à peu du duo qu'elle formait avec son mari au profit de son inspiration. Le couple se sépare en 1960. Elle étudie alors la photographie à la New School de New York avec Marvin Israel et Richard Avedon et rencontre par la suite Lisette Model.

Diane Arbus s'inscrit dans un courant photographique qu'avait inauguré un autre grand photographe américain, Walker Evans, qui avait imposé un style documentaire et urbain dans les années 1930. Mais c'est après 1962, quand elle abandonne le format rectangulaire du 24x36 pour le format carré du 6x6 qu'elle impose son style propre.

Diane Arbus concentre son activité à New York et ses alentours, photographiant des inconnus dans la rue. Fascinée par les personnages hors-normes, elle photographie également des travestis, des handicapés mentaux, des jumeaux, des nains, etc. En mélangeant le familier avec le bizarre, Diane Arbus dresse un portrait troublant de l'Amérique des années soixante.

Dépressive, elle se donne la mort le 26 juillet 1971 à Greenwich Village en avalant une quantité importante de barbituriques puis en s'ouvrant les veines.

Son influence sur la photographie américaine est considérable. Elle a contribué à imposer l'idée que la photographie est un art à part entière. Elle travaillait en noir et blanc et développait elle-même ses travaux afin de maîtriser complètement le résultat de ses œuvres.

Travaillant principalement en noir et blanc, M. E. Mark a pour thèmes de prédilection les exclus de la société: pauvres, fugueurs, prostituées, drogués, prisonnières; souvent aux États-Unis, elle s'est aussi intéressée à l'Inde à plusieurs reprises (notamment auprès de Mère Teresa)¹. En 1984 le Sunday Times Magazine a publié ses images en couleur sur la population blanche du Zimbabwe².

 Elle photographie toujours avec humanisme, au point que l'on la classe parfois parmi les portraitistes. Rarement posés ces portraits sont souvent faits au grand-angle pour placer le sujet dans son contexte.

Diplômé d’économie agricole, il travaille pour  l'Organisation internationale du café. 

En 1973, il s’oriente vers la photgraphie, paasse dans diifférentes agences pour arriver chez Magnum. Il travaille sur les hommes au travail, mines d’or,  extraction u pétrole notamment. L’esthétique de l’image est une de ses préoccupations.

Depuis le début des années 2000, des journaux (dont le New York Times) et l'écrivain Susan Sontag critiquent les photographies de Salgado. Le photographe est accusé d'utiliser de manière cynique et commerciale la misère humaine, de rendre belles les situations dramatiques qu'il saisit au risque de leur faire perdre leur authenticité. Sontag s'interroge sur « l'inauthenticité du beau » dans l'œuvre de Salgado